在《白蛇?!》故事裡，劇團歷時兩年探索京劇《白蛇傳》中在亞洲各國文化裡有著許多不同版本的經典劇目〈遊湖〉。思考如何融合京劇與小丑劇兩種全然不同的劇種，在不至於偏袒或醜化任何一方的情況下，呈現出兩者劇種的精神與價值。演出以劇中劇的方式呈現《白蛇傳》戲曲元素，並藉由小丑的表演方式探索京劇後方的情感和戲劇動力，像是「一群小丑對京劇藝術獻上最崇高的敬意與愛慕之情」。
To produce White snake?! The final struggle of the clowns, Theatre De La Sardine spent two years exploring the iconic section, known as “Touring the Lake,” in The Legend of the White Snake, which has been performed in various versions in different Asian cultures. Thinking about integrating Beijing Opera and clown theater that are essentially dissimilar, the theatre company aims to represent the spirit and value of both genres without favoring or downplaying either. This work adopts the play-within-a-play approach to showcase the traditional elements in The Legend of the White Snake while exploring the emotions and dramatic power in Beijing Opera through clowning. All in all, the work resembles “a group of clowns paying utmost respect and admiration to the art of Beijing Opera.”
沙丁龐客劇團成立於2005年3月，「沙丁龐客」一詞來自法文Saltimbanque，意為「街頭賣藝者、公眾表演者、雜技演員、街頭藝人、小丑…」。劇團希望藉由面具、小丑、歌舞、默劇、物件、和體操等元素，融合街頭戲劇、馬戲團、與肢體劇場的方式摸索新的表演形式，創造屬於當代東方的大眾劇場。期待以所有人都能欣賞的戲劇形式，呈現現實生活中的荒謬與詩意，講述存在於生命中的幽微情感，並碰觸與生活密切相關的社會議題。
Theatre De La Sardine was founded in March 2005. The name of the theatre company is derived from the French word, “saltimbanque,” which means “travelling entertainer, public performer, acrobat, street entertainer or clown.” They hope to combine elements such as mask, clown, dance and song, mime, object and acrobatics with street theatre, circus and physical theatre to explore new forms of performing arts, creating a popular theatre emblematic of the contemporary East. Utilizing theatrical forms that are friendly to everyone, the theatre company turns absurdities and poeticness in real life into performances to speak about subtle feelings in life as well as engage in social issues intricately related to our life.
馬照琪
Luc Ducros
黃凱臨、葉威志、謝卉君、Luc Ducros
Camille Trebuchet
李柏霖
王天宏
台灣戲曲中心3102多功能廳
關鍵字
藝術家談作品
常言東西交匯、傳統新銓，當代創作者對經典演繹的嘗試重未停止；只是當要以丑劇演繹京劇經典，其出格直接呈現在《白蛇?!–小丑們的終局之戰》的命題裡，問號與驚嘆同存──只因小丑劇題材開放自由，但要挑戰華人大眾熟悉的傳藝經典，顛覆背後與對劇種本質的考究掌握，仍是對劇團決心的驗證。
採訪及文字整理｜許祐綸
常言東西交匯、傳統新銓，當代創作者對經典演繹的嘗試重未停止；只是當要以丑劇演繹京劇經典，其出格直接呈現在《白蛇?!–小丑們的終局之戰》的命題裡，問號與驚嘆同存──只因小丑劇題材開放自由，但要挑戰華人大眾熟悉的傳藝經典，顛覆背後與對劇種本質的考究掌握，仍是對劇團決心的驗證。
翻轉小丑劇的既定印象
「我們想翻轉大眾對小丑劇的想法，像是『只給小朋友看、在街頭的譁眾取寵、無法登大雅之堂……」當我們把小丑跟華人最經典的劇種京劇結合，二種截然不同文化的劇場表現相互碰撞，會有什麼火花？」沙丁龐客劇團藝術總監馬照琪說，她和Luc Ducros共同經營劇團與創作，《白蛇?!》同時是在兩人所屬文化間搭起橋樑的途徑。《白蛇》故事通俗，即便是東方經典劇目，其對人性的描繪，諸如愛情、親情、背叛、佔有、忠誠……主題卻能世界共通。故事耳熟能詳，使小丑演員踏入京劇領域也有熟悉的架構。劇團將諸多情感流轉的「遊湖」橋段單獨拉出，讓演員展開訓練，兩年的時間，從崑曲基本功，京劇唱作念白課程，將這橋段的戲曲技巧精髓掌握，丑劇元素方逐步加入碰撞火花。
戲曲和小丑劇均專精於情感演繹，使用的身體卻全然不同。戲曲的程式化和丑劇的誇張與本能表演形成深刻對照，也成為《白蛇?!》演員跳轉發揮的空間。馬照琪補充：「京劇用精準的符號式表演傳遞細膩情感，眼睛一瞧、扇子一甩，都是一個情緒。小丑的表演則相反：自由、放大、直覺，沒有經過大腦設計或過度雕琢的真實呈現。這兩種情緒的表達和戲劇轉化方式，讓我們在表演的時候，會有彼此不同的撞擊出現在同一個演員身上。當他沉浸在表演京劇時，我們看見細膩線條，但下一拍錯誤發生，他又跳回到小丑的直覺式身體。演員在兩種身體間跳來跳去，形成有趣撞擊，而兩種表演都必須被觀眾清楚閱讀與感動。」Luc Ducros也說：「京劇演員詮釋一個寫好的角色，但小丑演員不是在做角色扮演：他是自己的小丑，他的肢體動作代表自己，獨一無二。因為他不是去學習一個角色，而是從自己的內在去開創一個新的角色，成為屬於他自己的小丑。」《白蛇?!》中導演和演員的工作，於是便在基礎架構、節奏與情感定義下，讓詮釋的演員在排練中，以即興透過自身個性展現表達與創造，再以集體發展的方式讓線條與關係清晰立體，激盪出戲劇轉折與故事發展。至於服裝、舞台、燈光、音樂，除了東西混搭，也在試著從小丑之眼看待經典，以想像力發展出的舞台美學。
創造屬於當代東方的大眾劇場
《白蛇?!》的發展實是西方小丑演出的經典結構，開場、觀眾互動、意圖宣告、隨著劇情設定開始預備「白蛇傳」演出，失敗危機出現，正當一切看似無可挽回，最終仍華麗轉身，實現美麗結局。失敗的必然成為小丑劇根本特性，也鋪陳在《白蛇?!》之中。Luc Ducros說：「小丑是一個必然會失敗、從未真正達成自己預設目標的人物設定。因為他笨手笨腳、就像我們每個人一樣，生來就有很多缺點，所以在劇中有某個時刻，我們感受到所有的努力都白費……。然而，小丑的另一個特色，是他們從不放棄、永遠樂觀、總是在尋找一種方法來自我救贖，在此同時，也拯救了其他的人。這樣的奇蹟發生在《白蛇?!》的角色中。」京劇頭套下，紅鼻子的小丑們奮力一搏，無數次的前功盡棄又再力挽狂瀾，這之中動人的或者不是對失敗命運的抵抗，而是在殘缺與頓挫的必然裡，一次次裝整自己，再次抖擻登場。
或許也如同成團十五年的沙丁龐客劇團，仍在成長中不斷實驗碰撞，從未能放棄向大眾介紹他們心目中屬於當代東方的大眾劇場。他們始終深信小丑劇場的連結能耐、藝術語言的世界性，讓深層對話產生可能性。「《白蛇?!》演出帶給我們的驚艷，是它可以讓六歲的孩子開懷大笑，也能觸動成人思考。」馬照琪與Luc這麼說，「我們相信好的小丑表演藝術可以感動歐洲人，也可以感動臺灣人。劇場必須是大眾的，必須迎向每個人。我們仍想找到戲劇的世界性與在地性，如果兩者都可以兼得，那就是種成功。」
評審談作品
別開生面地突破劇團／戲劇小丑創作選材與身聲表演，以嚴謹的刻模練習，導引表演者回返／邂逅東方身體文化脈絡系統，就臺灣的西方小丑表演發展而言，實具一定的開創意義。
入圍理由
《白蛇?! —小丑們的終局之戰》，別開生面地突破劇團／戲劇小丑創作選材與身聲表演，以嚴謹的刻模練習，導引表演者回返／邂逅東方身體文化脈絡系統，就臺灣的西方小丑表演發展而言，實具一定的開創意義。此外，就「白蛇故事」歷代演繹而論，此表演版本不啻在一堵堅實厚牆上，另啟一道門扉，截斷既有的詮釋思考，以舉重若輕之法，深剖力斲而另闢蹊徑，可以跨域創作觀之，更值得以融域新創視之。緣此，《白蛇?!》當非劇團個別的「終局之戰」，而是融匯特定之東西方身聲的開創新局之作！（主筆／張啟豐）
Comment on the Finlaist
"White snake?!" The final struggle of the clowns makes an unexpected breakthrough with its selection of creative material for theatre/theatrical clowning as well as the physical and vocal performance it brings. With careful and thorough imitation practice, the work leads performers to revisit/encounter the context and system of Eastern body culture. In this regard, the work possesses groundbreaking implication for the development of Western clown performance in Taiwan. In terms of interpreting and enacting “the story of the white snake,” this version surely builds on top of a long tradition and unveils a new direction, moving away from existing interpretations and ideas while adopting a seemingly effortless approach to powerfully and insightfully break new ground. As an interdisciplinary work, it can even be viewed as an innovative creation that merges different disciplines. Therefore, “White snake?!” is for sure not “the final struggle” of an individual theatre company, but instead a trailblazing work that integrates specific Eastern and Western physical performance traditions. (Commentator / CHANG Chi-Feng)
